La pintura realista tiene una larga y venerada historia que se remonta a los antiguos griegos. Así como el arte griego y romano clásico se esforzó por representar la forma perfecta, los artistas del alto Renacimiento revivieron el clasicismo pintando la belleza de forma realista.
El clasicismo enfatiza la proporción armoniosa, la estructura simple y la asimetría. El resultado es una belleza natural que es noble, digna y pacífica. El arte clásico no se trata solo de representaciones realistas de objetos naturales, sino de presentar una forma y perfección ideal, es decir, un arte que retrata un espíritu eterno y valores nobles.
Para los pintores de estilo clásico, la forma perfecta encarna la quietud, la contención y la elegancia. Inspirados en esculturas y artefactos antiguos descubiertos en la época, los artistas del Renacimiento vieron cómo representar la belleza ideal y el realismo. Incorporaron este entendimiento en su trabajo y crearon obras de arte que establecerían el estándar para generaciones de pintores por venir.
Los pintores italianos del Renacimiento establecieron un alto listón para los artistas de toda Europa que vinieron a Italia para estudiar los descubrimientos arqueológicos, así como nuevas técnicas y conocimiento. Esto dio origen a academias de arte que nutrieron a los artistas y transmitieron técnicas y conocimientos artísticos.
Influenciado por las pinturas flamencas, Antonello da Messina, propiamente Antonello di Giovanni di Antonio (hacia 1430-1479), fue el primer pintor en introducir técnicas de pintura al óleo en Venecia. La popularidad de esta técnica se extendió más tarde por toda Italia.
Ahora, con un medio mejorado para la pintura al óleo, los pintores italianos, conocidos por sus técnicas realistas, lograron mayores avances en el perfeccionamiento de su producción. La nueva pintura al óleo también simuló nuevas técnicas. Los pintores venecianos normalmente aplicaban una capa de pintura para acondicionar el lienzo y dibujaban dibujos animados al fresco.
Sin embargo, este enfoque oscureció el trabajo. Con la ayuda de la pintura al óleo, Leonardo da Vinci utilizó su exclusivo efecto de claroscuro para lograr volumen al modelar objetos tridimensionales, como el cuerpo humano, y creó un efecto tierno, pacífico e inspirado.
Como se muestra en «The School of Athens«, el pintor de frescos Raphael Sanzio aprendió de maestros anteriores. Luego, en su The Small Cowper Madonna, Raphael retrató la imagen más pura y bella de la Santísima Virgen. Su Madonna y Holy Child son nobles y elegantes. La ropa y los accesorios de Madonna se ven muy vívidos y refinados. En «Transfiguration», pintado en sus últimos años, Raphael fusionó ingeniosamente dos escenas diferentes en un lienzo. Se hacen eco el uno al otro. Las expresiones faciales vívidas y el lenguaje corporal de las figuras dibujan en el espectador. Con esta pintura, Raphael llevó la pintura al óleo renacentista a otro nivel.
Los ricos mercaderes encargaron a los artistas del Renacimiento que crearan pinturas murales. Los lienzos grandes reemplazaron a los paneles, creando pinturas al óleo de gran proporción. Estos lienzos fueron popularizados en toda Europa y la pintura al óleo se convirtió en el medio dominante por su conveniencia y su amplia gama de expresión.
El pintor oficial de la corte de Napoleón, Jacques-Louis David, favoreció tanto los temas mitológicos como los eventos contemporáneos para abrazar al enfoque clásico.
Arte académico
En 1562, Giorgio Vasari estableció la primera academia de arte del mundo en Florencia, Italia – Academia del ‘Arte del Disegno. Aquí, los estudiantes aprendieron técnicas de pintura, o el «arti del disegno», así como también anatomía y geometría. Una década más tarde, Roma fundó la Accademia di San Luca, que puso mayor énfasis en las teorías del arte y la educación.
En 1648, Luis XIV reorganizó la Académie royale de peinture et de sculpture (la Real Academia de Pintura y Escultura) siguiendo el modelo de Roma. La Academia Francesa enseñó que el dibujo debería atraer la mente y el intelecto en lugar de las emociones. Los estudiantes aprendieron a representar objetos con precisión. El entrenamiento básico incluía perspectiva, proporciones de la figura humana, composición geométrica y contraste de color.
Otras academias, como la Royal Academy de Inglaterra, siguieron al modelo francés. Estas escuelas hicieron posible el desarrollo sistemático y continuo de las teorías del arte y la formación, y propulsaron el arte clásico occidental hasta su cenit.
«Un dibujo debe tener la mayor importancia moral, que se presenta con una estructura inteligente«, comentó Nicolas Poussin, un pintor francés del siglo XVII y fundador de la tradición clásica francesa. El comentario de Poussin refleja la columna vertebral de las enseñanzas del arte académico. No se trata solo de usar técnicas para reproducir de forma realista el mundo en una superficie plana. El arte representa el espíritu clásico y sirve como un ejemplo positivo para la sociedad.
A mediados del siglo XVIII, el descubrimiento de Pompeya y su ciudad hermana Herculaneum inspiró un nuevo interés en el arte clásico. Los artefactos, pinturas y edificios desenterrados permitieron a las personas estudiar directamente las artes clásicas griegas y romanas.
A principios del siglo XIX, Napoleón adoptó por completo el estilo que se conoció como Neoclasicismo. Admirando el estilo majestuoso y los ideales espirituales representados en el arte antiguo, Napoleón llevó a los estudiosos a estudiar y coleccionar artefactos clásicos. No sólo como una simple imitación del arte griego y romano, sino como el estilo neoclásico que revive la estética clásica y abarca a los valores morales y las actividades espirituales.
El pintor de la corte oficial de Napoleón, Jacques-Louis David, favoreció los temas mitológicos, así como los eventos contemporáneos, para abrazar el enfoque clásico. Presentó elevados temas morales de una manera teatral. David enfatizó hábilmente la representación lineal lógica, y es admirado por su impecable composición inspirada en los dibujos renacentistas. Se distinguió por elementos clásicos, como los contornos lineales, la iluminación, los colores puros y los detalles realistas.
El Concurso Internacional de «Pintura y Figura China» es uno de una serie de eventos culturales y artísticos mundiales patrocinados por New Tang Dynasty Television (NTDTV). La competencia premia a las pinturas de figuras que expresan virtudes y valores chinos tradicionales, utilizando técnicas del realismo occidental clásico. NTDTV extiende esta invitación para que los artistas con sueños participen en la competencia para seguir creando arte.
